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Cary Grant in The Bishop’s Wife (1947 Henry Koster)

„Well, I keep seeing this stuff and it just comes a-rolling in / And you know it blows right through me like a ball and chain.“ (Bob Dylan: „Brownsville Girl“ 1986)

In Dylans Song geht es um Henry Kings The Gunfighter, um Gregory Peck in einer Westerntragödie, für deren trauriges Ende das Wort “unvergesslich“ zu harmlos ist. Von diesem Filmschluss sich getroffen oder gar verfolgt zu fühlen, darum geht es in Dylans epischem Song. Eine solche Wirkung kann sehr wohl auch von einer Komödie ausgehen, falls Henry Koster sie inszeniert hat.

Laut Ricarda Huch „tritt die Komödie als die späteste Blüte der Kultur mit der wachsenden Besonnenheit und dem Freiwerden des Geistes auf, und ein Jüngling wird viel eher ein wirksames Trauerspiel als eine leidliche Komödie verfassen können. Alle Versuche der Gegenwart, die tragische Kunst neu zu beleben, müssen fehlschlagen, aber mehr und mehr wird das Lustspiel, das wahre Spiel höchster Lust, sich entfalten.“ .

Katharina die Letzte (1936 Hermann Kosterlitz / Henry Koster)

Eine Stunde, die vergeht mit vergeblichem Warten.

Auch dieser frühe Film von Koster stellt das Lustspiel auf das Fundament des Trauerspiels. Was Ricarda Huch “das wahre Spiel höchster Lust” nennt, war damals ergebnisoffen. Zumindest österreichische Kommödien konnten traurig enden. Um das Glas bis zum Rand zu füllen, kam in die Ekstase gerne ein Schuss Depresssion hinein.

Kosters Helden stehen inmitten der Gemeinschaft in unbemerkter Einsamkeit, den anderen irgendwie im Weg. Ihr wirklicher Wert bleibt ungeschätzt. Außerhalb des Blickfelds liegt diese rare römische Münze. Daneben ist die Kathedrale, die der Bischof (David Niven) bauen will, eigentlich keine Besonderheit.

„Wenn mir des Zweifels dichte Schwaden den Geist verfinstern, flammt hin und wieder eine Eingebung auf, und der Nebel beginnt in himmlischem Licht zu leuchten. … Zweifel an allem Irdischen und hier und da eine Eingebung von himmlischen Dingen – man wird weder gläubig dabei noch ungläubig; man wird Mensch und schaut beides mit gleichen Augen an.“ (Herman Melville: Moby Dick)

The Bishop’s Wife (1947 Henry Koster)

Im Jahr 1144 sah man zu Chartres die Gläubigen sich vor Karren spannen, die mit Steinen, Holz, Getreide und wessen man sonst bei den Arbeiten an der Kathedrale bedurfte, beladen waren. Wie durch Zaubermacht wuchsen ihre Türme in die Höhe. Überall sah man Männer und Frauen schwere Lasten mitten durch Sümpfe schleppen und unter Gesängen die Wunder Gottes preisen, die er vor ihren Augen verrichtete. (Jantzen: „Kunst der Gotik“, 1957).

Der Abt Haimon von St. Pierre-sur-Dive fragte: „Wer hat jemals Ähnliches gesehen oder gehört, dass mächtige Herren und Fürsten der Welt, aufgebläht von Reichtum und Ehren, dass selbst Frauen von edler Geburt ihre stolzen Häupter gebeugt und gleich Zugtieren sich an Karren gespannt haben, Wein, Getreide, Öl, Kalk, Steine, Holz den Werkleuten einer Kirche zuzuführen?“ Und: „Sind die Pilger an der Kirche angelangt, bei deren Bau sie helfen wollen, so machen sie eine Wagenburg und wachen die ganze Nacht und singen Psalmen.“

Coca Cola Knibbelbilder (1983)

Frohe Weihnachten

The King of Kings (1927 Cecil B. DeMille)

Zu schade, dass DeMille The Queen of Queens nicht drehen konnte, über die Affäre zwischen Judas und Salome und den Versuch der Jungfrau Maria das Leben Johannes des Täufers zu retten.

In gewisser Hinsicht ist Christopher Roth der DeMille unserer Tage. Er greift nach einem Stoff, als wäre es eines dieser kruden Kapitel aus der Bibel, über die sich die Malerei stets gefreut hat. Etwas, wovon wohl zu hören war, aber was nicht zu begreifen ist. Und da, wo fest zu rechnen wäre mit berechtigter Anklage oder bestätigter Entrüstung, da liefert Roth: Attraktion und Wunscherfüllung.
Seinen Baader haben die Berlinaleprofis vor 20 Jahren ausgebuht. Den finalen Kugelhagel, und auch den heimlichen Draht vom Terroristenboss zum obersten Gesetzeshüter, beides hielten die Kritiker nicht aus. Wie sich Gudrun Ensslin von ihrem Vater verabschiedet – „oben ohne“ vor dem Pfarrhaus – DeMille hätte es auch so gemacht.
Gemeinsam mit Jeanne Tremsal, ausgehend von ihren Erinnerungen, hat Roth nun das Kunststück vollbracht, den Skandal um Otto Mühls Kommune in ein Kinospektakel zu verwandeln – Servus Papa See You in Hell – Ein Inselfilm mit Hippies und Hühnern bis zum Horizont. Ein Gefängnisfilm im warmen Sonnenschein. The Wicker Man in Brigadoon. Ein frecher Monumentalfilm, leuchtend, in echten Gesichtern. Eine Flucht zu Pferd, wie ich noch keine sah.

Servus Papa See You in Hell (2022 Christopher Roth)

A.I. Artificial Intelligence (2001 Steven Spielberg)

Spielbergs Version von Pinocchio. So düster wie Disneys.

„Come away O human child / To the waters and the wild / With a faery, hand in hand, / For the world’s more full of weeping / Than you can understand.“
(William Butler Yeats: „The Stolen Child“, 1889)

Pinocchio (2022 Guillermo Del Toro)

Guillermo Del Toros Pinocchio ist Geppettos Monster, Ein Kind aus gröbstem Holz, ungeraten und doch liebend. Voller Empfindung und eben doch aus Holz. Geppeto aber sieht selber recht hölzern aus. Darin kündigt sich früh etwas Neues, sehr Schönes an, denn anders als üblich darf Pinocchio endlich mal so bleiben, wie er ist. Auch Del Toros Version der alten Geschichte taucht ein in die Finsternis. Und doch hat der mexikanische Freund der Monster eine Idee vom Glück. Pinocchio wird zuletzt endlich geliebt – obwohl aus Holz. Geliebt, obwohl er nur die fehlerhafte Imitation eines Menschen ist. So wollen wir alle geliebt sein.

“When your heart is in your dream / No request is too extreme (…) Take it Herb”
Ringo Starr & Herb Alpert, 1988: “When You Wish Upon a Star”, (Leigh Harline, Ned Washington)

Guillermo Del Toros Pinocchio (2022)

Auf der schönen Insel Mallorca lernten wir den 85-jährigen Robert Bradbury kennen, der in den 70er Jahren unzählige Teppiche (mit Wachsmalkreide auf Papier) malte. Die aufgerollten, hinterm Sofa gestapelten Riesenbilder wurden uns zuliebe auf dem Fußboden ausgebreitet. Wie am ersten Tag leuchteten da, neben der Blässe eines echten Teppichs, die Farben eines erfundenen. Dass ein Kätzchen, erst zögernd, dann lässig darüber lief, machte dem alten Maler Freude.
(Sepp Knarrengeier: Der Strick-Overall und das Juckpulver, in: SigiGötz-Entertainment, Herbst 2009)

Die Lebens-Uhr (1936) von Richard Teschner

Seinfeld (1989 – 1998)

Als der Antennenempfang dahinging, fotografierte ich, wie um Abschied zu nehmen, das Gerät, das nicht lange zuvor meinen alten Schwarzweißapparat ersetzt hatte. Gut zu sehen: Nicht nur die Ecken waren rund, auch alle vier Kanten waren leicht gewölbt. Es war Glas, staubiges Glas. Die Sender zeigten noch Filme. Und eine „show about nothing“.

Übermorgen, am Dreiundzwanzigsten ist Festivus.

The Elephant Man (1980 David Lynch)

Kamera: Freddie Francis – – – Scorsese über ihn: “He understands the obligatory scene of a young maiden with a candle walking down a long hall towards a door.”

Gone to Earth (1950), The Tales of Hoffmann (1951), Time Without Pity (1957), Never Take Sweets From a Stranger (1960), The Innocents (1961), Nightmare (1964 Regie), The Skull (1965 Regie), Elephant Man (1980), Cape Fear (1991), Straight Story (1999).

The Entity (1982 Sidney J. Furie) mit Barbara Hershey

Das vertraute Zuhause als Ort des Schreckens.
Das Gewohnte als das Zuhause der Angst.
“This truly terrifying picture,” (Scorsese), geschrieben von Frank De Felitta, führt auf einige interessante Fährten.
The Stately Ghosts of England (1965 Frank De Felitta) ist eine dokumentarische Geisterjagd mit Margaret Rutherford.
Mississippi: A Self Portrait (1966 Frank De Felitta) + Booker’s Place: A Mississippi Story (2012 Raymond De Felitta) ist ein Double Feature von Vater und Sohn – zur Klärung einer Schuld. Das Portrait des mutigen Booker Wright, der durch sein ehrliches Sprechen in einem Dokumentarfilm, im Kampf gegen den alten Fluch: Rassismus, sein Leben riskierte und verlor.

They Call Me Mister Tibbs! (1970 Gordon Douglas)

Das alte Problem.

Das Buch ist scheinbar eine Alternative, doch die Forschung ist noch uneinig, wie stark die Urteilskraft der Heranwachsenden beeinträchtigt wird durch Kinderbücher mit falschen Informationen. “Die UdSSR schickte schon 1988 ein Pferd ins Internet.” Es wird gelesen, es wird geglaubt.

Hommage an Max Ernst

Robert et Robert (1978 Claude Lelouch)

Mutter und Sohn – – – Tisch, Teller, Topf, TV
Das Kino – – – „Es ist nur zu begreifen als eine öffentliche Anbetungsstätte des Rechtecks. In diesem Rechteck wird vor allem von einem erzählt, dem Thema ‚Mensch und Angst‘. Vom Fernsehen wird gesagt, es habe das Kino abgelöst. Es ist das Kino für den Hausgebrauch, und siehe da, die Ecken werden abgerundet.“ (Klaus Wyborny: „Neues vom Rechteck“)

Kurz nachdem Wyborny dies schreibt (1979/80), verschwinden die Rundungen, die Geräte werden eckig. Scheiben und Spulen scheinen verdrängt zu werden – durch den Siegeszug der Kassetten. Home Taping Is Killing Music.

Dressed to Kill (1980 Brian de Palma)

In den 80ern ging ich viel in die sogenannten Schachtelkinos. Deren kleine Leinwände hatten oft noch diese sinnlos abgerundeten Ecken. Es fehlten die Vorhänge. Alles war ein wenig schäbig. Aber es war mein neues Zuhause.

Gloria (1980 John Cassavetes), Gregory’s Girl (1980 Bill Forsyth), Talentprobe (1980 Peter Goedel), Monarch (1980 Stelzer & Flütsch), Sitting Ducks (1980 Henry Jaglom), The Postman Always Rings Twice (1981 Bob Rafelson), Q – The Winged Serpent (1982 Larry Cohen), Une chambre en ville (1982 Jacques Demy), Tender Mercies (1982 Bruce Beresford), E.T. (1982 Steven Spielberg), The King of Comedy (1983 Martin Scorsese), Zelig (1983 Woody Allen), Falling in Love (1984 Ulu Grosbard), After Hours (1985 Martin Scorsese), Back to the Future (1985 Robert Zemeckis), Three Amigos (1986 John Landis), Johnny Flash (1987 Werner Nekes), Raising Arizona (1987 Joel Coen), Light of Day (1987 Paul Schrader), Barfly (1987 Barbet Schroeder), Moonstruck (1987 Norman Jewison), La vie est un long fleuve tranquile (1988 Etienne Chatiliez), Midnight Run (1988 Martin Brest), Miracle Mile (1988 Steve De Jarnatt)

Die 80er rotierten um Hitchcock, in ihrer Mitte, ab 1984 wurden die zurückgehaltenen Filme mit James Stewart wieder gezeigt. Das Alte war das Neueste, tatsächlich. Auf den Parties lief, ab 1984, Robert Mitchums Calypso-Platte. Tourneurs Out of the Past kam 1985 noch mal ins Kino. Eines Nachts legte John Peel die Sons of the Pioneers auf. Mit etwas Verspätung fielen Gregory’s Girl und Clint Eastwoods Honkytonk Man vom Himmel. 1986 erklang John Zorns Morricone-Platte. Dass damals dem Kino der baldige Tod prophezeit wurde, tangierte mich nicht. Die Ansicht, dass die beste Zeit vorbei sei, ist zeitlos.

Mit dem völligen Verzicht auf die Farbe Rot in seinem ersten Selbstportrait brachte Dracula die Kritiker auf seine Seite. (2021)

Rio Misterioso, Parque de Atracciones, Monte Igueldo, San Sebastian

Eine Villa im Bauhaus-Stil, mit Blick auf beide Buchten von San Sebastian, trug den schmiedeeisernen Namen „Verzicht“. Da mussten wir lachen.

The Time Machine (1960 George Pal)

Meistens weiß ich, ob es oben oder unten, auf der linken oder der rechten Seite zu finden ist, ich weiß aber nicht, ob das Zitat, das ich suche, vorne oder hinten im Buch steht.

Als ich gerade über eine Liste meiner Lieblingsfilme in der Kindheit nachdachte, meinte ich mich genau zu erinnern, ob ich diese Filme an einem Nachmittag oder an einem Abend gesehen hatte, ich weiß aber nicht, wie alt ich da war.

Nachmittags
The Wizard of Oz (1939 Victor Fleming)
The Thief of Bagdad (1940 Michael Powell u.a.)
Gentleman Jim (1942 Raoul Walsh)
Scott of the Antarctic (1948 Charles Frend)
Brigadoon (1954 Vincente Minnelli)
Journey to the Center of the Earth (1959 Henry Levin)
The Time Machine (1960 George Pal)
Mysterious Island (1961 Cy Endfield)
Hatari! (1962 Howard Hawks)
The Flight of the Phoenix (1965 Robert Aldrich)

Raum und Licht sind dem Erinnern hilfreich. Zeitliche Reihenfolgen werden hingegen oft falsch, entlang von vermuteten Kausalitäten, umsortiert. Gedächtniskünstler bedienen sich realer Wegstrecken um das Unzusammenhängende wie Wegmarken aufzureihen. Räume lassen sich im Geiste abgehen. Die Zeit sollte das auch mit sich machen lassen, aber der Fluss ohne Wiederkehr ist nicht zu verstehen. Wo sind seine Ufer?

Stoff für Überlegungen: Warum waren die Filme am Nachmittag Abenteuer und am Abend Kammerspiele?

Arsenic and Old Lace (1944 Frank Capra)
The Gunfighter (1950 Henry King)
Dial M for Murder (1954 Alfred Hitchcock)
Twelfe Angry Men (1957 Sidney Lumet)
The Nutty Professor (1963 Jerry Lewis)
My Fair Lady (1964 George Cukor)
Wait Until Dark (1967 Terence Young)
The Party (1967 Blake Edwards)
Oscar (1967 Édouard Molinaro)
Jo (1971Jean Girault)

nachmittags

Die Jäger im Schnee (1565/2020)

„I never cared where I was, I like to know where I’m going.“
(Ray Harryhausen im Gespräch mit John Landis)