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Im Park sahen wir einen, der seinen Oberkörper in gleichmäßigen, wellenartigen Bewegungen abwechselnd nach vorne neigte, wieder aufrichtete und nach hinten bog. Er hielt einen aufgeklappten, weißen Computer in den waagerecht nach vorne gestreckten Händen und wirkte wie in ein nah- oder fernöstliches Ehrerbietungssritual versunken. Erst als er nach einigen Minuten zum Abschluss den Computer an sein Gesicht heranzog und die Stelle über dem Bildschirm küsste, an der bei diesem Modell die integrierte Kamera zu sein pflegt, wurde uns klar, dass er höchstwarscheinlich keiner Hi-Tech-Gottheit huldigte, sondern seiner Freundin eine schwungvolle Videobotschaft aufzeichnete.

Der dümmste Vorbehalt gegen Religion ist, ein Mensch könne schwerlich über Wasser laufen. Der Film hat, als ob er diese Dummheit entkräften und den unrettbaren Volksglauben retten wollte, Wunder wörtlich genommen, ein Mann läuft über Wasser („Being There“, 1979), ein Stab wird zur Schlange („Moses und Aron“, 1974), eine Tote wird zum Leben erweckt („Ordet“, 1955). Überhaupt erscheinen die Toten wieder; unheimlich in den Doppelbelichtungen von „Der müde Tod“ (1921). Genau genommen sind immer nur Tote zu sehen, eine fortwährende Resurrektion. Noch der hohle und der nüchterne Film haben etwas Wunderbares, und das widervernünftige Wunder deutet nicht selten auf das, was begreifen zu wollen unvernünftig wäre.

Kurzer Nachtrag zum weiter unten diskutierten Klassizismus-Eintrag: Die 11 Podiumsveranstaltungen, die Anfang Dezember unter dem Großtitel „Où va le cinéma?“ im Centre Pompidou stattfanden, sind inzwischen auch als Stream anzusehen.

Das Gespräch mit Serge Bozon, Emmanuel Bourdieu, Joana Hadjithomas / Khalil Joreige und Valérie Mréjen zum Beispiel ist hier; Serge Bozons von mir aus der Erinnerung zitierte Passage über das Plansequenzkino, Antonioni etc. beginnt bei 33:25.

Aus Anlass der Sharon Lockhart-Ausstellung in der Wiener Secession, in der neben Fotografien und zwei neuen Filmarbeiten (LUNCH BREAK, 35mm auf HD, 80 min | EXIT, 16mm, 40 min, beide von 2008) auch Teile aus James Bennings Baseballsammelkarten-Collection zu sehen sind, hier ein Hinweis auf Becky Allens Website.

Becky Allen hat – wie schon bei KHALIL, SHAUN, A WOMAN UNDER THE INFLUECE (1993), bei TEATRO AMAZONAS (1999) und in PINE FLAT (2005) – den Score für LUNCH BREAK (in diesem Fall gemeinsam mit Benning) komponiert. Über die Arbeit an TEATRO AMAZONAS schreibt sie: „The film was a live filming of the choir concert and therefore the premiere of the piece. The entire sound track focuses on the music and incidental sound that is heard through the film. The concert premiered at the baroque opera house, Teatro Amazonas, in Manaus Brazil. I worked directly with a 60-person choir from Manaus; the Choral Do Amazonas. The performance was recorded live the day of the shoot with a 60-person choir. I began the piece with a large chord cluster of all 60 voices at the start of the film. Then, slowly and imperceptibly, the clustered voices progress to a single note over the period of 24 minutes. As the music decays it slowly fuses into the incidental sounds made by the audience.“

Wäre ich heute abend in Berlin und wollte ins Kino gehen, würde ich mir – anlässlich einer Buchvorstellung von Jeanne Faust – im Arsenal Rüdiger Neumanns Film ARCHIV DER BLICKE ansehen (20:00 Uhr). „ARCHIV DER BLICKE ist ein Portrait Westdeutschlands in den 80ern. So hat es sich angefühlt, dieses Land ohne Zentrum, ein Nebeneinander von Provinzen, deren wichtigstes Unterscheidungsmerkmal die Fassaden der Häuser waren: Klinker im Norden; Beton, Schiefer, Eternit in der Mitte; Holz und Geranien im Süden. Der VW Scirocco ist so gepflegt wie die Wälder, durch die er fährt. Deutschland im Jahr der ersten Kohlschen Wende 1983“, hat Ulrich Köhler hier über den Film geschrieben.

Bliebe ich zuhause vor dem Fernseher, würde ich mir das KINOMAGAZIN anschauen, für das Sven von Reden eine Sendung mit und über Jonas Mekas gemacht hat. (3sat, 22.25 Uhr bis 22:55Uhr, Wiederholung 03:25 Uhr bis 03:55 Uhr).

Kino heißt: Brüche in der zeitlichen Wahrnehmung hervorzurufen. Das ist in der Aneignung und Fortschreibung der neuen Formen – insbesondere der Zeitkonzepte – seit den 60er Jahren vergessen oder verdeckt worden. Die Einseitigkeit der Modernerezeption: Man hat sich für Antonioni entschieden, nicht für Godard. Und zwar weltweit. Das Plansequenzkino, ein gedämpftes, einsinniges Dahinströmen der Zeit, keine Brüche. In Frankreich gilt das für so weit auseinanderliegende Positionen wie die Garrels oder Claire Denis‘, auch für Pialat. Gegen diese totalisierende Tendenz kann und muss man andere Tendenzen stark machen. Boris Barnet oder Leo McCarey, vieles, was es im vermeintlich prä-modernistischen, klassischen (US oder Sowjet-) Kino gab.

Anders als in den übrigen Künsten ist in der Filmgeschichte nie eine Tür zugeschlagen worden. Man kann immer noch alles machen. Es gibt nicht den Punkt (wie in der Malerei), an dem man nicht mehr – oder nur noch ‚meta’ – gegenständlich malen kann. Es gibt nicht den Punkt (wie in der Musik), an dem man keine klassische Symphonie mehr – es sei denn ironisch – schreiben kann.

Alle Türen stehen weit offen. Dem Klassizismus gehört die Zukunft.

[Das hat, so oder so ähnlich, Serge Bozon in der Debatte gestern Abend im Centre Pompidou gesagt. (Er spricht sehr schnell und eruptiv, man versteht nicht alles.) Der letzte Satz – Le classicisme est à venir – ist ein Rohmerzitat, das Bozon gern und immer mal wieder benutzt – oder sich ausgedacht hat, ich finde es jedenfalls grad nicht.]

Das Genre Eventmovie nähert sich rasant einer dokumentarischen Haltung an. […]

Es gibt die Bereitschaft und Energie, Zeitgeschichte authentischer und durchaus schmerzvoller aufzubereiten. […]

In den Eventbereich hält jetzt ein anderer Realismusbegriff Einzug… […]

Bei „Dresden“ habe ich deshalb noch aus Angst ums Publikum darauf bestanden, dass alle Engländer deutsch synchronisiert werden. […] Aber da bin ich eben Produzent und zuweilen auch Spielverderber; ich wäge da mit einer gewissen Sorge ab, bis zu welchem Grat das Publikum belastbar bleibt.

[Nico Hofmann in einem Interview auf spiegel-online, 30.11.2008: ICH WILL AN DIE GROSSEN ZEITEN DES DEUTSCHEN FERNSEHENS ANSCHLIESSEN]

Als der einäugige André de Toth den 3-D-Film HOUSE OF WAX inszenierte, ging in den Warner-Studios der Witz um, der einäugige Raoul Walsh sei Co-Regisseur.

Nicholas Osborn: „I took my favorite stereo slides and animated them. The result is incredibly life-like 3-D. Okay it’s not incredible life-like but it’s pretty cool so go check them out.“ Alle.

Walter Benjamin: „Es ist ja eine andere Natur, welche zur Kamera als welche zum Auge spricht; anders vor allem so, dass an die Stelle eines vom Menschen mit Bewusstsein durchwirkten Raums ein unbewusst durchwirkter tritt.“

Bei den Dreharbeiten von HOUSE OF WAX kam eine echte Guillotine zum Einsatz. Was der Schauspieler (Paul Picerni), der den Kopf hinhalten sollte, von dem Regisseur (André de Toth), der das Gesicht nicht verlieren wollte, im Interview erzählt, legt mal wieder die Frage nahe: Gibt es eine Verwandtschaft von Realismus und Diktatur?

Die genießbarste Frucht des Realismus ist jedenfalls das Bizarre. Der Studiochef Jack Warner bat André de Toth zur Premiere des 3-D-Films seine Augenklappe nicht zu tragen.

Denn wir wissen nicht, was wir tun.

Heute hat im Filmhaus Berlin – organisiert vom Verband der deutschen Filmkritik – eine Veranstaltung mit dem Titel „Im Netz der Möglichkeiten. Filmkritik im Zeitalter des Internet“ stattgefunden. Zwei der Beiträge sind nachzulesen, der eine auf der noch ofenwarmen Online-Plattform der Zeitschrift CARGO, die im Februar mit ihrem ersten Heft erscheint, der andere auf unserer Langtextseite:

Ekkehard Knörer: Anlass zur Kritik. Schreiben über Film im Netz

Volker Pantenburg: Das Schweigen der Weblogs wird unterbewertet